domingo, 15 de abril de 2018

La ragazza nella nebbia



Con los más altos conceptos del cine negro contemporáneo, esta cinta logra mantener al espectador durante las dos horas que dura “La ragazza nella nebbia” en un interés hasta el último momento (y no es una exageración).


Y es que el inspector Vogel encargado de un crimen (al igual que Poirot o el inspector Maigret) consigue dilucidar un crimen que parecía no tener salida alguna. De manera que a través del flash back para encaminar la intriga y las pesquisas, de pronto lo cuestionable son los “casi-finales” que pueden desorientar al espectador.

Sin recurso retórico alguno, además de una eficiente estrategia donde todos los involucrados (en apariencia) con el crimen de una chica conforman el contexto argumental de la película, se puede señalar que el espectador resuelve su dilema moral que los lleva a ponerse en la piel de los protagonistas, y, pensar de qué modo reaccionaríamos si tuviéramos que enfrentarnos a un asesino.

Gonzalo Restrepo Sánchez
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UNA MUJER FANTÁSTICA



Este filme chileno ganador del “Oscar” recientemente a mejor filme extranjero, tiene su mérito en haber puesto en escena (y sin maniqueo) el amor de un transexual (Marina) con hombre mayor que él (Orlando). Y sin exageraciones morales, la vida del personaje debate en su propia honestidad, a pesar del rechazo de su entorno.


Si bien el asunto ideológico está claro (en una sociedad llena de prejuicios) y los actores convencen, en lo cinematográfico el asunto transcurre bien sencillo, llegando incluso a un ritmo lento en algunas escenas que ni restan ni ponen. Para quienes vieron “Gloria” (2013) del mismo cineasta Sebastián Leilo, el asunto coincide en muchos semblantes. Uno sería el aspecto de compensar soledades en medio de ambientes nocturnos, un destierro permanente y en ausencia de un derrotero a seguir, sin hostigamiento.

En este retrato del transexual, supongo que las cuitas le evocan su reciente pasado, aunque nada de sentimentalismo. De manera que esta cinta no es esta la propia obra que solo busque debatir, denunciando la trastienda más oscura de la sociedad chilena; es que el filme invita a ver a Marina como un ser normal y corriente, para los tiempos que vivimos.

Gonzalo Restrepo Sánchez
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sábado, 14 de abril de 2018

Au revoir là-haut



Tomando como punto de partida 1920, la  película dirigida por M. Dupontel  (una gran obra y altamente recomendada) en una retrospección de la acción, va hasta 1918 para contarnos en primera persona, una adaptación del bestseller de Pierre Lemaitre. Dos personajes principales (dos ex combatientes de la Gran Guerra) que quieren dejar atrás ciertas circunstancias ya acaecidas en sus respectivas vidas, y, deciden tomar otro rumbo en la sociedad civil mediante una estafa muy particular.


Visto así el asunto, la película desborda en ingenio e imaginación de cómo este drama humano termina por encubrir a dos soldados (seres siempre al margen de la sociedad) que tienen que buscarse la vida. Y es que cuando “la vida ha desfigurado el pasado”, el presente lleva a estos marginados y de forma impúdica, a buscarle  acomodo.

De manera que la película refleja que el presente y el pasado, nada tienen que ver cuando de vivir se trata (¿o sí?), inclusive inventarse farsas (y falsas aunque suene a exabrupto), que de por sí ya son bastante desvergonzadas. Esto es el filme: dos cínicos en busca de nada, pues lo impúdico aborda la miseria humana y la risa (y pantomima)  a la larga de uno mismo. Y es que somos lo que somos porque otros fueron lo que fueron. Y punto.

Gonzalo Restrepo Sánchez
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jueves, 12 de abril de 2018

READY PLAYER ONE Trailer 2 Español (Extendido) 2018



La reciente película de Steven Spielberg más que un filme para todos los públicos, es una visión al universo distópico y las nuevas tecnologías. Tomando como base el presente de un adolescente, la trama siempre nos lleva a un futuro (en algunos momentos) tan halagador como sombrío. Además, con remembranzas cinéfilas (la escena del baile de “fiebre de sábado noche”), todos estamos atentos a la imaginación y su paso de lo real a lo precisamente imaginario (“Oasis”).






No debe pues sorprender este filme de Spielberg que, en esta trepidante aventura del joven Wade Watts y que en una lectura más profunda, la relación utopía y distopía, eludiendo la ucronía, hay acontecer paralelo e inaccesible al individuo común. La historia y el progreso  no se alejan de la ritualidad política y de la vida social.

A través de esta curiosa fórmula consistente en considerar la sincronización del relato como elemento integrante del futuro, la descripción del mundo en el filme, consigue este no menos curioso resultado: ser actual a través de su propia distopía. Spielberg se preocupó de narrar los aciertos del progreso tecnológico y de cualquier signo anticipatorio que pudiera abrir (como a Watts, por poner un ejemplo).

En esta ciencia ficción que rebosa en la frondosa creatividad, las perspectivas a la imaginación de la novela que fue adaptada, sometió la fantasía  de los guionistas para elaborar una película fuera de serie, sin tono político y moral. Es esto lo que evidentemente interesa. Y para ratificarlo no deja prácticamente resquicio a que el espectador se pueda detener a interpretar.

Gonzalo Restrepo Sánchez
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lunes, 9 de abril de 2018

50 ANIVERSARIO DE “2001 UNA ODISEA EN EL ESPACIO”



Solo Stanley Kubrick (1928-1999), podía convertir en imágenes una fábula tan complicada como esta, basada en el texto: “El centinela”, de Arthur C. Clark, quien ayudaría en la creación del guion de la cinta. Aunque el preestreno de la cinta fue el 2 de abril de 1968 en Washington, en Nueva York fue un día después. Algunos meses más tarde, fue galardonada con el “Oscar” a los mejores efectos visuales y 3 BAFTA (mejor fotografía, mejor sonido y mejor diseño de producción).

Ya es un ícono (de visión obligada en las escuelas de cine) y en la historia del cine la secuencia en la que un grupo de homínidos descubre una fascinante piedra de color negro perfectamente pulida que se convertirá en uno de los grandes enigmas del filme. Supuestamente, no ocurre nada, pero uno de los homínidos descubre que un hueso es algo más que una cosa recubierta de carne. Así, pasa a tener una herramienta que asimismo sirve para matar (en un salto evolutivo con mucho dramatismo).

Además, todo ocurre acompañado de la música del poema sinfónico de Richard Strauss, “Así habló Zaratustra”, a su vez, obra capital del filósofo alemán Friedrich Nietzsche. Dicha idea, basada en la evolución del mono al "superhombre", con el hombre como nexo casi antagónico entre ambos, es el elemento particular del filme. Por ello, ese homínido lanza al aire el hueso y tiene lugar entonces lo que los críticos han denominado “la más grande elipsis narrativa de la historia del cine”: un salto de 4 millones de años que nos traslada a 1999, a una nave espacial que viaja de la Tierra a la Luna y hace escala en una estación espacial.

El festival de cine de Cannes presentará este año un homenaje a esta película en una copia nueva de 70 mm conforme a versión original. La copia que será proyectada es una recreación fotoquímica de la película e incluirá nuevos elementos sin retoques digitales retomados del negativo original. Christopher Nolan trabajó estrechamente con el equipo de Warner Bros. Pictures durante todo el proceso de masterización de esta copia.

El 12 de mayo, en el marco del Festival de Cannes, se realizará la función especial de 2001: Odisea del espacio y contará con la presencia de Katharina Kubrick. Por otro lado, Christopher Nolan ofrecerá una clase magistral el 13 de mayo donde hablará de su filmografía y su fascinación por el trabajo de Kubrick.

“Con 2001: Odisea del espacio, el director Stanley Kubrick redefinió los límites del cine y consolidó su legado como uno de los directores de cine más revolucionarios e influyentes de todos los tiempos. Originalmente lanzado en formato de 70mm Cinerama Roadshow el 3 de abril de 1968, la película encendió la imaginación de críticos y audiencias por igual y su impacto continúa resonando hasta el día de hoy”.
En fin, la película En sí es una función en tres actos, cada cual más subyugante e iluminado, hecha desde una inspiración admirable (no se volvió a hacer una película tan audaz antes de la era digital), pero sublimada hasta la integridad, lo que hace que sea un filme grandioso, donde nada sobra (o hace falta) para lograr un espectáculo fascinante y hasta misterioso.

Es cine en estado puro. Pese a su extenso metraje, sin lugar a dudas, son las imágenes lo que le da toda su fuerza ante el escaso diálogo escuchado en la cinta. A todo esto, súmele unos efectos especiales (imaginados por el propio Kubrick y Douglas Trumbull, que también fotografiaría y haría los efectos de “Blade Runner”).

A partir de esta película, todo sería una alucinación en la mente del director. No en vano, la segunda parte de la carrera de Kubrick inicia con esta película, y las cinco cintas que dirigió después de ella (son más o menos, una variación temática, pero con la misma estructura: dividida en tres actos muy diferenciados, con intérpretes poco elaborados, más centrado el relato en la conquista de un mundo en el que Kubrick se abrigaba más placentero). Pero en ninguno más cómodo que en ‘2001’.


miércoles, 7 de marzo de 2018

LLAMAS CONTRA EL VIENTO (PARA UNA ACOTACIÓN HISTORIOGRÁFICA)



Llamas contra el viento (Emilio Gómez Muriel,1956) es la primera película extranjera que utiliza  el suelo de Cartagena de Indias para rodarla. El asunto está inspirado en el poema Canción de la vida profunda, del escritor colombiano Porfirio Barba Jacob. La coreógrafa Delia Zapata Olivella fue la responsable de organizar las danzas folclóricas que aparecen en la cinta, según el investigador caeibeño Chica (2012) para un artículo en el diario El Universal de Cartagena de Indias.

          
Tres composiciones musicales eternas del Caribe colombiano se escuchan en la cinta: casi al final del metraje Cero treinta nueve de Alejandro Durán, La cumbia Sampuesana de la autoría del maestro José Joaquín Bettín Martínez (de pronto la más escucha en el cine de habla hispana). Y La Danza del Garabato, de Antonio María Peñalosa (crédito que aparece así en el filme, omitiendo Te olvidé).

lunes, 5 de marzo de 2018

NOSOTROS LAS PIEDRAS: FICCI 58 MEJOR DOCUMENTAL





En la “Sección Oficial”  de documentales, el acierto del jurado en esta área, permite al FICCI 58, al menos hacer justicia por un filme sólido. El documental sigue a los oreros a lo largo de tres años de su vida, en la profundidad de la jungla costarricense. Allí, ellos siempre han vivido en conflicto continuo con el Gobierno al trabajar en zona protegida.



En estas pocas palabras se puede resumir este trabajo donde los testimonios de los oreros y lo políticamente correcto, permite preguntarnos por qué es buena la película. Pues porque siguiendo el sentido común y la experiencia primaria, el documental entonces, se asigna, y refiere hechos reales mediante una construcción a base de datos fidedignos ( para este caso la oralidad de unos oreros, quienes viven en carne propia la realidad).


Sin lo destacadamente didáctico-científico, y esquivando el cineasta la elegancia, la belleza, las batallas de la dramaturgia y otras buenas cualidades y categorías; el documental es  certero, preciso y eficaz para decir la verdad.

Gonzalo Restrepo Sánchez
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